Verso Monet, storia del paesaggio dal Seicento al Novecento è un viaggio attraverso le modalità di visione della natura di artisti che si sono dedicati totalmente a questo genere pittorico contraddistinguendosi per peculiarità e stile in ogni epoca fino all' età moderna. Ed è proprio il Novecento il punto d'arrivo di questo viaggio ed altresì punto di partenza per le sperimentazioni future.
L'esposizione è stata pensata considerando due aspetti, il  vero e falso in natura, attorno ai quali  gli artisti costruirono la realtà fatta di dati fisici e al contempo soggettivi.

La mostra apre con i paesaggi seicenteschi di Carracci, Domenichino, Rosa. In queste opere la natura è presentata come soggetto autonomo, essa è reinterpretata attingendo all' antico.
Si prosegue con gli artisti francesi Claude Lorrain e Nicolas Poussin le cui opere, volutamente  esposte una accanto all' altra, dimostrano la possibilità di giungere ad esiti compositivi diversi partendo dall' esame di medesimi aspetti: schizzi en plein air fondati sulla combinazione di  aspetti rurali della campagna romana con elementi dell' antichità.
 In Lorrain i morbidi passaggi tonali lasciano spazio alla luce, vera protagonista dei suoi dipinti: lo spettatore è calato in una dimensione bucolica che lascia trasparire un ' approccio più emotivo alla pittura mentre per Poussin, vi è una elaborazione più razionale del paesaggio come in Paesaggio con le ceneri di Focione nel quale la vedova che raccoglie le ceneri del marito rimane immobile, come fosse bloccata in un contesto in cui è l'architettura a dominare. Dipinti degli olandesi Jacob Van Ruisdael, Van Goyen pongono la natura al centro dell' attenzione dello spettatore influenzando negli anni successivi numerosi artisti.

La seconda tappa del viaggio è la veduta settecentesca che si potrebbe descrivere con un'unica parola:  Venezia. Città d'indagine priviliegiata da Canaletto, Guardi e Bellotto che restituiscono immagini autentiche e contemporaneamente artificiose della realtà secondo la loro immaginazione. Essi danno vita a immagini particolareggiate, dominate da un aria tersa e da una dilatazione del campo visivo ottenuto  grazie all'utilizzo della camera ottica. Un esempio è Capriccio palladiano di Canaletto, ricostruzione fantasiosa in cui l' artista fonde il mare di Venezia con elementi esistenti e solamente progettuali dell'architetto vicentino Palladio.  
Il viaggio prosegue con gli artisti romantici Constable,Turner massimi rappresentanti del paesaggismo inglese dell' ottocento. Il primo riporta sulla tela l'osservazione diretta della natura con una resa minuziosa dei particolari mentre Turner sperimenta una pittura "vista" ed "immaginata" nella quale la natura si rende manifesta con una libertà coloristica senza precedenti, raffigurando fenomeni naturali nel massimo della loro potenza davanti ai quali l' uomo non può nulla. Un esempio è Paesaggio con fiume e montagna in lontananza di Turner.
Il paesaggio impressionista è illustrato in mostra da opere di molteplici esponenti del gruppo e non solo, attivi fino alla seconda metà del '800: Renoir, Pisarro, Degas, Sisley, Manet e Cezanne. La Senna a Cha Tou di Renoir è un'opera che segna il culmine della tecnica impressionista: l' artista raffigura una scena fluviale dosando le pennellate a seconda delle zone da dipingere; distese per l' erba e tocchi più leggeri per i fiori.
L'interpretazione della natura è testimoniata ulteriormente da opere di P. Gaugin, Van Gogh come gli Ulivi, e da dipinti di Cezannè come la Diga di Francois Zola.
Spetta a Claude Monet concludere il viaggio sullo studio della natura e le venti opere presenti in mostra segnano in modo evidente il cambiamento che egli introdusse alla fine degli anni '70 dell' '800 mettendo in crisi i principi fondanti dell' impressionismo: l'artista continua a dipingere en plein air ma la novità è il completamento del quadro in atelier. Ed ecco che ritorna il concetto di vero e falso in natura, la realtà continua ad essere guardata ma viene interpretata secondo l' interiorità dell' artista. In esposizione vi sono alcune tele che compongono parte della serie, costituita da oltre cinquanta opere, della Cattedrale di Rouen, soggetto che si è prestato per molti anni allo studio, da parte di Monet delle variazioni atmosferiche, delle particolari condizioni di luce in diversi momenti del giorno. La tecnica utilizzata in questi dipinti ed anche nelle Ninfee, di poco successive, caratterizzata dalla sovrapposizione di tonalità di colore denso con tocchi rapidi, preannuncia la grande stagione della pittura astratta del novecento. Salice piangente del 1918 è l'opera che chiude idealmente l'esposizione, è un dipinto nel quale la materia si fa viva, attribuendo alla natura i colori della propria dimensione interiore. I pannelli didattici, valido supporto ai visitatori per comprendere al meglio l'esposizione appaiono a mio avviso troppo esaustivi e poco pratici alla lettura a fronte delle mole di spettatori presente all' interno di ogni sala.

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